Art no Rules

John Baldessari in conversation with Matthew Higgs

2010-06-22T04:10:00.000-07:00

Cao Guimarães

2010-05-29T05:44:00.000-07:00

No site de Guimarães já se nota algo de distinto. Ao deslizar o mouse sobre o pano de fundo se produz o efeito/ ilusão do movimento de uma esfera que está como que coberta por uma malha de minúsculos símbolos. Com mais paciência se nota que existem palavras que surgem ao acercar-se:

* Acidente
* Memória
* Mestres das Gambiarras
* El Pintor Tira el Cine a la Basura
* Quarta Feira de Cinzas
* Da Janela do Meu Quarto
* Campo Cego
* De Portas Abertas
* Gambiarras
* Histórias do Não Ver
...

E ao ver tantos outros nos encorajamos a pressionar alguns deles para ver o que acontece. Pouco a pouco se entende que representam Longas, Curtas, Instalações, Fotos e Livros realizados por Guimarães.

Chamo a atenção de todos para a pequena esfera/bolha: Representa os longas que o artista desenvolveu nesses últimos 9 anos. Eles são: Andarilho, Acidente, A Alma do Osso, Rua de Mão Dupla, O Fim do Sem Fim e Ex-isto, livre adaptação de Catatau, de Paulo Leminski.

Vale a pena conhecer mais a fundo sua obra através de seu site e conferir o documentário A Alma do Osso, vencedor de melhor filme da competição nacional e internacional de 2004 no festival É Tudo Verdade, que está sendo exibido desde o dia 28 de Maio em São Paulo.

Confira o site de Cao Guimarães
Confira as duas obras de Guimarães na coleção do MOMA
Para mais informação dê uma olhada no site da Galería Nara Roesler

CHRISTOPH SCHLINGENSIEF

2010-05-26T23:25:00.000-07:00

"Kill Helmut Kohl", said Christoph Schlingensief

Gerhard Richter is not at all amused with the choice of Christoph Schlingensief to represent Germany at the next Venice Biennale in 2011. “That’s a scandal,” said Richter, quoted by the Berliner Zeitung. “They’re taking a performer although we have thousands of artists.” Moreover, the painter associates the selection of the multitasking director Schlingensief with “the decline of painting.”

Curator Susanne Gaensheimer who made the choice has reacted with a written statement, published by Art magazine. While honoring Richter’s role as “the most important living artist of the twentieth century,” Gaensheimer consciously chose Schlingensief as an artist who challenges both the content and the form of decidedness while transgressing borders. “In association with the German pavilion, I view his work as a contribution to discussions about the deterritorialization of the arts and to questions regarding the social relevance of art.”

from artforum.com

2010-05-22T15:39:00.000-07:00

John Cage (1912-1992)

Part 1
Part 2
Part 3
Part 4

"Mureau: the texts are letter-syllable-word-phrase-sentence mixes obtained by subjecting all remarks by Henry David Thoreau about music, silence and the sounds he heard that are indexed in the Dover Publication of The Journal, edited by Bradford Torrey and Frances H. Allen (New York, 1962) to a series of I Ching chance operations. Personal pronouns were varied according to such operations. The title is the first syllable of the word music together with the second syllable of the name Thoreau" - that's what Cage said in 1970 about this work. Released in 1972".

from Ubu.com

Mario Garcia Torres

2010-05-03T06:11:00.001-07:00

Escuela de Valparaíso - Ciudad Abierta

2010-05-03T03:46:00.000-07:00

Roberto Antonio Sebastián Matta Echaurren

2010-05-03T03:31:00.000-07:00

Flavio de Carvalho

2010-05-03T03:11:00.000-07:00

A aparição do barra-mansense Flávio de Carvalho no mundo das artes ocorreu através de seu envolvimento no concurso do Palácio do Governo, em 1927.

Segundo a curadora Denise Mattar, em texto para o catálogo da retrospectiva realizada no CCBB em 1999, o projeto se destacou daqueles apresentados por seus contemporâneos e ajudado por uma efetiva campanha jornalística se tornou muito conhecido, acercando-se dos modernistas.

Quando Flavio de Carvalho realizou a conferência "A cidade do homem nu" no IV Congresso Panamericano de Arquitetos (1930), ocorreu um grande furor. A arquitetura, segundo ele, deveria ter um valor psíquico e ter como escopo o engendramento de novas formas de viver e pensar.

Em crítica ao polêmico livro publicado em 1936, Os Ossos do Mundo, no qual "afirma que os arqueólogos e os psicólogos devem ser mal comportados" , Sylvio Rabello escreveu que "Flávio de Carvalho está sempre a dar empurrões na rotina e no lugar comum, a fazer-nos perder o equilíbrio..."

O público terá a oportunidade de perder esse equilíbrio através das obras romanticas e utópicas do artista em duas exposições:

* Flávio de Carvalho e a Cidade do Homem Nu consiste em uma retrospectiva, sob curadoria de Rui Moreira Leite, que reúne 60 obras além de 30 itens aproximadamente, entre projetos, fotografías e vídeos no MAM (São Paulo), até o 13 de Junho.

* Desvíos de la deriva. Experiencias, travesías y morfologías, com curadoria de Lisette Lagnado e María Berríos, apresenta uma exposição de carácter ensaístico que investiga a arquitetura utópica e lírica em cidades latino americanas, como no Brasil. Nela se poderam ver, por exemplo, como projetos não construídos de Flávio de Carvalho reforçavam a dificuldade do desenvolvimento do conceito do homem nu. Estará exposta no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía até o dia 23 de Agosto.

Detalhes das exposições no MAM e no MNCARS

2010-04-29T08:58:00.000-07:00

Documenta de Kassel de 1987

2010-04-27T02:56:00.000-07:00

O artista Pedro Garhel (Puerto de la Cruz, de Tenerife, 1951 - Tenerife, 2005), pionero no ámbito da arte digital e virtual, ao representar a Espanha na Documenta de 1987, com a obra Dedicado a la memoria representa uma obra de arte total (Gesamtkunstwerk), como se referia Richard Wagner, ao incorporar (como a tragédia grega) a música, o teatro e as artes visuais. Nesse caso particular de Garhel, a música, a performance, as projeções e a instalação se interrelaciovam harmoniozamente com a intenção de realizar uma ode ao tempo com ajuda do corpo, catalizador e plataforma das comunicações interpessoais.

E. E. Cummings Reads: from 95 Poems (1958)

2010-04-25T02:39:00.000-07:00

That Melancholy (1.47)

http://ubu.artmob.ca/sound/cummings_ee/Cummings-ee_That-Melancholy.mp3

Jonathan Meese & Ezra Pound

2010-04-25T02:24:00.001-07:00

Jonathan Meese (Janeiro de 23, 1970, Tokyo) é um artista alemão que utiliza diferentes técnicas como pintura, escultura, instalações, performance em seus trabalhos. Muitos deles falam sobre o fracasso da arte e de sistemas ideológicos com uma linguagem caoticamente dada e surrealista.
Ficou conhecido em 1998 através da Bienal de Berlim, onde ele e outros artistas foram rotulados como Novo Ativismo, que segue a tradição de Kiefer e Baselitz, e o Wiener Aktionismus, que teve como representantes mais fortes Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler.

Robert Longo

2010-04-25T01:36:00.000-07:00

Robert Longo, imagen de la película SOUND DISTANCE OF A GOOD MAN, 1978. Película en blanco y negro, muda, 8mm, 15 minutos.

Uma temporalidade confusa. A obra SOUND DISTANCE OF A GOOD MAN, apresentado por primeira vez em abril de 1978 na Franklin Furnace, mostra o torso de um homem, tendo seu corpo arqueado, com sua cabeça inclinada para trás, constrastando com a glacial escultura de um leão.
Toda a obra consiste na imagem inalterada de estas duas figuras.
Essa fotomontagem entre um homem que Longo já havia exposto em otras obras, alguns anos antes, e a escultura recortada do filme The American Soldier, desvelam a resposta para o entendimento da obra SOUND DISTANCE OF A GOOD MAN: o roteiro de The American Soldier.

Aleksandra Mir -2009 Venice Biennale

2010-04-25T01:19:00.000-07:00

"The project entailed the design, printing and free distribution of one million postcards, to be given away to the general public during the 2009 Venice Biennale.

100 Originals x print run of 10.000 each = 1.000.000 total.

The 100 motifs depicted a variety of waterscapes from around the world, overlaid with a graphic that spelled out ‘Venezia’ in a variety of typical postcard styles. The generic photographs were sourced from a commercial online image bank, and a graphic designer collaborated on the typeface.

The work also involved the installation of two real Poste Italiane mailboxes with daily pickups and the selling of stamps in the exhibition area.

Thus the canals of Venice extended out into the world’s oceans, rivers, lakes, ponds. Venice in every molecule of the rain.

Politics as pollution rather than border control"

by Aleksandra Mir

CYBER ART

2009-05-31T10:14:00.000-07:00

mutant-sounds.blogspot.com

www.stealthisfilm.com

karagarga.net

www.archive.org

Perejaume, los sonidos del paisaje - Galería Joan Prats

2009-03-31T13:27:00.000-07:00

"La obra que da nombre a la exposición, Máquina de aire, consiste en la proyección de un vídeo en doble pantalla con un texto sobreimpreso del artista. En este vídeo se observa un soplador, como aquellos que se utilizan para barrer las hojas caídas en la vía pública, al que se le ha aplicado un micro para grabar el sonido que emite, al ser expulsado, el chorro de aire. Las imágenes iniciales se sitúan en un auditorio para después continuar en el exterior, en la montaña o en el campo. Y es que esta "máquina de aire" opera como un instrumento musical que, al proyectarse en uno u otro lugar, emite una vibración diferente en virtud de las distintas cualidades físicas del entorno. El artista, con su "máquina de aire", hace "sonar" el paisaje".

elcultural.es

Most-Visited Museums

2009-03-31T13:08:00.000-07:00

"The two most-visited museums in the world last year were the Louvre in Paris, with 8.5 million people, and the British Museum in London, with 5.9 million, according to the annual ranking by The Art Newspaper. The National Gallery of Art in Washington (4.96 million visitors), the Tate Modern in London (4.95 million) and the Metropolitan Museum of Art in New York (4.82 million) rounded out the Top 5".

nytimes.com

ARTE Y MERCADO - The Most Buoyant Art Movements Over 10 Years*

2009-01-13T01:05:00.000-08:00

In the majority of the major art market countries, collectors can buy nationally produced works that not only satisfy the pleasure of collecting art, but also act as extremely good alternative investments.
Contemporary art is often the best investment and it is also the segment to which, very often, new art collectors feel the closest.
Out of the 280 art movements Artprice tracks, we have produced here an exclusive selection of 10 movements that posted the sharpest price in.ation between 1996 and 2006.

+695,54% Cologne Group

In the 1980s and 1990s Cologne was one of the most active poles of the contemporary art world. It developed numerous galleries and spaces for creative activities and exhibitions, attracting many artists who are today stars of the art market. Among the most well-known of the Cologne artists are Christopher Wool, Mike Kelley and Martin Kippenberger. All three were in the top 20 of our ranking of contemporary artists by auction sales revenue in 2006. The American, Christopher Wool, 10th in the ranking and whose index rose +146% in 2005, even generated a sale of $ 1.5 millions on 16 November 2006 for a piece he created in 1992. The work of Kippenberger, whose index progressed +266% in 5 years, is also subject to speculation. For example a series of four entitled "Frau Mit Viel Zeit" from the Max Hetzler Gallery in Cologne sold for £ 85,000 ($ 140,000) in February 2003, and then for £ 380,000 ($ 706,000) on 16 October 2006.

+527,59% Arte povera
Founded in Italy in 1967, Arte Povera was ignored by the art market for many years. Refusing to consider artworks as products, its artists often created ephemeral works and often used unstable materials such as earth, vegetables, fabrics, etc. Today, the market has clearly woken up to their work. In France, Arte Povera was the principal theme at Sotheby’s sale of the Durand-Dessert collection on 6 October. Around thirty pieces in the collection were bought, generating four new records: Luciano Fabro (€ 350,000), Giovanni Anselmo (€320,000), Giuseppe Penone (€ 170,000) and Salvatore Scarpitta (€ 155,000). The record in this segment has been held since October 2003 by Pino Pascali for a monumental sculpture entitled Cannone Semovente (1965) that sold for £ 1.4 million (€ 2 million) at Christie’s London. Not long after, Alighiero Boetti broke another personal record with his work Cubo which sold for £ 380,000 at Christie’s. That sale was the climax of a 685% increase of his personal price index since 1997!

+495,79% English Pop Art
Formed in the 1950s around the Independent Group consisting of painters Eduardo Paolozzi and Richard Hamilton, architects Alison and Peter Smithson and the art critic Lawrence Alloway, English pop art never gathered as much price momentum as its American equivalent. Nevertheless, the movement, which included Allen Jones, Peter Blake, Colin Self, Ronald B. Kitaj, David Hockney, Peter Phillips and Joe Tilson, has been very well received at contemporary art auctions over recent years in London. Having moved at a young age to Los Angeles, David Hockney is popular with both UK and American collectors and is in effect the most expensive artist in the group. Indeed, his 2006 personal price record of $ 3.2 million was generated by one of his "Californian" paintings, beating his previous record for Seated Woman Being Served Tea by Standing Companion (£ 1.6 million at Sotheby .s London on 22 June 2005). Already back in 1989, his Deep and Wet Water, (1971) had fetched $ 1.3 million at Sotheby .s. At that time he was the youngest artist in the world to have broken the million dollar threshold at auction!
While Hockney is the most expensive, he is not the fastest mover: +234% since 1997, compared with +512% for Richard Hamilton.

+482,72% Contemporary Indian Art
Contemporary Indian art is just beginning to be recognised by the market and is already among its most speculative segments. In 2006, a work by the artist Francis Newton Souza was acquired for $ 1.2 million by Rajiv Chaudhri at Christie’s in New York. This was the first time a contemporary Indian work of art has ever gone past the million-dollar threshold; in total, the sale "Modern & Contemporary Indian Art" at Christie’s in New York generated $ 17.8 million. The first of its kind - six years earlier (2000) - generated only $ 600,000. Already in 2005 at Christie’s, Mahisasura by Tyeb Mehta sold for 1.4 million dollars, setting a new record for a modern Indian painter. In this category of Indian auction stars we also note Subodh Gupta (1964), number 83 in the ranking, with no less than 4 works fetching over 100,000 dollars each in 2006, after a .rst appearance at auction in 2005!

+474,83% Minimal art

Strong demand on the US market has pushed prices for the centre-pieces of 1960s Minimal Art to record highs. For Carl André, Dan Flavin, Donald Judd, Sol Lewitt and Robert Morris, the most representative artists of the movement, there is no "minimal art" since their work sought to create a "maximum effect" - an experience of space and time in a language that is universal, because simplified. This new language that aimed to create a perceptive space was not understood at its beginnings. However, since then, it has become absolutely "unavoidable". American buyers provide a very dynamic market for their artists with nearly 90% of Minimal Art works remaining within the United States and a low bought-in rate (approximately 15%). The recognised "major" works from the 1960s generate very high prices, especially as there are so few of them on the market. Five artists hold records over the $ 2 million mark, with Donald Judd and Frank Stella having both gone past $ 4 million. Indeed, Donald Judd, one of the key theoreticians of the movement, holds the top record in the category since May 2002 when a piece he created in 1966 composed of six yellow plexiglass units sold at Christie’s New York for $ 4,200,000 (€ 4,609,080). In 2006, .ve of Frank Stella’s works sold for over 1 million dollars each.

+409,12% London School

The market is particularly enthusiastic for the leaders of this movement: Lucian Freud (born in 1922) and Francis Bacon (1909-1992). Since a major retrospective of his work at the Tate Britain in 2002, Lucian Freud’s price index has again doubled. As a result, Red Haired Man on a Chair (1962-63) sold for £ 3.7 million (€ 6.8 million) on 9 February 2005 at Christie’s, a new price record for the artist. Even his small format works sell easily at unprecedented prices. A 30x25cm oil painting entitled Portrait of John Deakin (1963) presented at Sotheby’s on 21 June 2006 is now being offered for £ 1.5 - 2 million. The same painting sold at Christie’s for £ 810,000 on 25 June 1997, after being estimated at £ 200,000- 300,000. Francis Bacon remains the most expensive in the group. In November 2006, he generated a new personal record of $ 13.4 million which was then broken in February 2007 when his Study for Portrait II fetched £ 12.5 million ($ 24.6 million) at Christie’s in London. In 2006 his price index appreciated +66% and his works generated numerous million-dollar sales. Amateur art collectors can nevertheless find a large selection of his prints at auctions at far more affordable prices! 80% of them go for between € 2,000 et 5,000. Apart from these two stars of the movement, Frank Auerbach, Leon Kossof, Michael Andrews, and Ronald Brooks Kitaj have also seen their price indexes climb over recent months. Frank Auerbach’s index is today up 62% compared with 2005.

*complete document at artprice.com

OBRA - Comentario Razonado I - Guitarra, el Diluvio

2009-01-12T15:01:00.000-08:00

El arte contemporáneo, desde la época romántica, venía preparando un nuevo lenguaje. La idea era acabar con las convenciones del esquema visual renacentista. Este proceso culmina con la revolución impresionista. “En arte, el progreso no consiste en la extensión, sino en el conocimiento de sus límites”, dijo Braque en el numero 10 del periódico NORD-SUD, de diciembre de 1917.
Esta revolución marginó el espacio perspectivo y la línea de fuga creando un espacio, como lo define Francastel, “abierto dinámico y cualitativo” contrastado con el del renacimiento que es “numérico, escenográfico y estático”.
El impresionismo influyó crucialmente en los movimientos posteriores debido a sus amplias posibilidades lingüísticas que fueron llevadas a cabo a través de los análisis de la luz por los puntillistas, los estudios geométricos de Cézanne y los estudios geométricos de Gauguin y Van Gogh.Sobre las columnas del cubismo empieza a existir una consciencia y una reflexión de este nuevo lenguaje.“La primera exposición conjunta del cubismo, cuyos adeptos eran cada vez más numerosos, tuvo lugar en 1911 en los Independientes, en la que la sala 41 reservada a los cubistas causó una gran impresión”, dijo Apollinaire.Un año después, entre 1912-1913, el pionero del cubismo sintético fue Picasso. En esta técnica sólo se retiene del objeto la estructura y las características esenciales. En este momento utiliza la invención de los papiers collés, compartida con Braque en septiembre-octubre de 1912, introduciendo a través del collage la realidad sobre el cuadro. El hule imitando un trenzado de silla de mimbre (falsa realidad, por cierto) es un ejemplo que configura el cuadro Bodegón con trenzado de silla de mimbre. El color en las obras de Picasso y Braque son reintroducidas por medio de los numerosos papiers collés y collages que ambos artistas ejecutan. Braque explica: “El papier collé liberó al color del modelo”. El color se libera de “la función constrictiva de representación de la forma y se independiza”.La reconstitución libre de la imagen de un objeto, alejado de la perspectiva, es el elemento fundamental del cubismo sintético. En este movimiento el objeto es resumido por su fisonomía esencial, y ya no está sujeto a las leyes de la imitación.Picasso en esta fase y, en general, durante toda su vida estudiaba el objeto “como un cirujano diseca un cadáver”, como afirmaba Apollinaire.
Apollinaire encontró cuatro tendencias que se habían manifestado en el cubismo. Sitúa Picasso en dos de ellas: Cubismo científico (una “tendencia pura” que abarca el arte de pintar composiciones nuevas con elementos extraídos, no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento) y Cubismo órfico (el arte de pintar composiciones nuevas con elementos extraídos no de la realidad visual, sino enteramente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad).
Cézanne tiene una gran influencia sobre los orígenes del cubismo, cuando él empieza a reducir la naturaleza al cilindro, al cubo y a la esfera. Con esto el artista convierte sus obras a elementos constructivos esenciales con el enfoque en las formas geométricas y en los volúmenes produciendo, de esta manera, la destrucción de la perspectiva renacentista. Sus intentos de reducir el objeto a estructuras elementares y configurarlo con la reunión de todos sus ángulos posibles de visión es un planteamiento que va contra el punto de vista realista. Otra influencia para el desarrollo del movimiento cubista vino con el arte plástico de los primitivos (máscaras de Oceanía, esculturas africanas y ídolos ibéricos). Este impacto no era exclusivo del cubismo, abarcando también el impresionismo, con la figura de Gauguin. Durante el exilio del artista en Oceanía podemos ver a través de su obra que “la glorificación del arte y de la vida de los Mares del Sur era en gran medida producto de su rebeldía contra una sociedad que consideraba corrompida y contra el arte que ésta producía”. Su exilio fue explicado como una necesidad de volver a las fuentes primarias, a “la humanidad en estado de niñez”.
Este posicionamiento es diferente al planteado por Picasso, que veía sobre todo las cualidades intelectuales y aspectos razonables en el arte de las culturas primitivas. “Pinto las cosas como las pienso, no como las veo”, afirmó Picasso.“La ruptura con el ilusionismo retiniano del Renacimiento – fundado también, no obstante geométricamente – se corroborará con el ejemplo de los primitivos de todas las épocas y todos los países. No sólo la pintura románica o gótica, sino cuanto escapó a la codificación clásica grecolatina: frescos egipcios, ídolos cicládicos (tan afines a las guitarras cubistas), arte ibérico primitivo, mosaicos bizantinos, etc.”
A través del periodo cubista de Picasso vemos las proporciones ideales equilibradas con obras cerebrales y sensuales. Que mantienen un distanciamiento del arte de “las ilusiones ópticas y de las proporciones locales para expresar la grandeza de las formas metafísicas”, como dijo Apollinaire en el texto sobre los pintores cubistas.El cubismo fue, de hecho, el momento más original e inventivo de la larga carrera de Picasso. El artista aplicó la desconstrucción, y luego la reconstrucción de formas y de la manipulación del espacio. En este cuadro hay un juego de líneas curvas y rectas. Vemos en primer plano las siluetas de una guitarra y un periódico cortado (de colores blanco, marrón, anaranjado, crema) que tienen más detalles en contraste con las otras formas geométricas en el fondo azul. Todo hecho con carboncillo, lápiz, tinta china y papel pegado. Con eso se representa el objeto desde diferentes puntos de vista presentando un espectáculo que no podría ser posible con una perspectiva de dos dimensiones. En este cuadro vemos una renovación de la naturaleza a los ojos de todos. “Lo que distingue al cubismo de la antigua pintura se basa en que no es un arte de imitación, sino un arte de concepción que intenta elevarse hasta la creación”, dijo Apollinaire.
Durante la segunda década del s. XX, el cubismo de Picasso sufrió un cambio de descripciones “analíticas” altamente abstractas a una forma “sintética” más legible que incorporaba textos y elementos del collage. Este cuadro, realizado en la primavera, ejemplifica las tendencias de los movimientos de este cubismo sintético, por la representación de la guitarra y del periódico. “Trabajo con los elementos del intelecto, con la imaginación. Intento tornar concreto el abstracto, voy desde el genérico al particular. Cézanne transforma una botella en un cilindro…Hago que una botella en particular salga del cilindro”.
Guitarra, el Diluvio, hecho en Céret, primavera 1913, se eleva hasta una pintura de signos. Los signos son reducidos al estado puro de los ideogramas. El engendramiento de un espacio cada vez más complejo, basado en la superposición de planos coloreados y combinados con recortes de periódico, presenta un pintor que da rienda a su fantasía.“El elemento más llamativo de la Guitarra del MOMA es sin objeción posible la página del periódico El Diluvio, con fecha de <>, cuyos dos trozos desgarrados constituyen una secuencia visual homogénea y pregnante en relación con los demás elementos de la composición (franjas de tapiz adamascado y papeles uniformes realzados con tinta, yeso y carboncillo), generan oposiciones de claroscuro con fines espaciales. ¿Ha previsto Picasso el impacto del texto de El Diluvio, al operar como un desgarro en una composición tan sabiamente organizada? La página está compuesta íntegramente de anuncios publicitarios que ensalzan los méritos de los remedios contra la blenorragia y de médicos de diversas especialidades”.A través de su trabajo en Céret se puede ver una consideración del efecto que el color y las dimensiones compositivas tenían en la formulación de un nuevo vocabulario más intenso. “Desde luego, cuando quiero pintar una taza, te enseñaré que es redonda, pero el ritmo de la pintura, la estructura me va a obligar a mostrar su redondez en forma de cuadrado”, dijo Picasso a Kahnweiler.
Por eso, el presente cuadro demuestra con eficacia la técnica “sintética”, su complejidad y su potencia visual pura, que gracias a las abstracciones y las manipulaciones del espacio consigue que el espectador perciba las formas de la guitarra equilibrada con todo el diluvio de elementos geométricas.
La obra está en el MOMA (The Museum of Modern Art) de Nueva York, pero ha pasado por las manos de otros coleccionistas particulares y galerías. El cuadro inicialmente fue comprado por Daniel-Henry Kahnweiler, en Paris, y antes de 1932 pasó por las manos de Paul Eluard. Sobre 1942 Mme Lise Deharme lo compró y en 6 de Marzo de 1953 lo vendió en una subasta en el Hotel Drouot para Sidney Janis Gallery, en Nueva York. En 1979 Nelson A. Rockefeller adquirió el cuadro de Sydney Janis. Con los ejemplos recogidos de subastas de Sotheby´s y, por estar relacionado con un año de gran importancia para el artista, el cuadro probablemente tiene el precio estimado de 2,500,000—3,000,000 USD.